Pintores de la edad contemporánea
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Artistas modernos 2020
Hay mucho que encontrar en una línea de tiempo de la historia del arte. Comienza hace más de 30.000 años y nos lleva a través de una serie de movimientos, estilos y períodos que reflejan la época en la que se creó cada obra de arte.
El arte es una mirada importante a la historia porque suele ser una de las pocas cosas que sobreviven. Puede contarnos historias, relatar los estados de ánimo y las creencias de una época y permitirnos relacionarnos con las personas que nos precedieron. Exploremos el arte, desde el antiguo hasta el contemporáneo, y veamos cómo influye en el futuro y entrega el pasado.
En este largo periodo se crearon muchos estilos de arte diferentes. Incluyen los de la prehistoria (Paleolítico, Neolítico, la Edad de Bronce, etc.) hasta las antiguas civilizaciones de Mesopotamia, Egipto y las tribus nómadas. También incluye las obras de civilizaciones clásicas como la griega y la celta, así como las de las primeras dinastías chinas y las civilizaciones de América.
A menudo, el arte se creaba para contar historias en una época en la que prevalecía la tradición oral. También se utilizaba para decorar objetos utilitarios como cuencos, jarras y armas. A veces, también se utilizaba para demostrar el estatus de su propietario, un concepto que el arte ha utilizado desde entonces.
Ranking de artistas contemporáneos
Una de las obras de arte contemporáneo más famosas del mundo es la de las latas de sopa Campbell del artista Andy Warhol. Símbolo del movimiento Pop Art, la obra ilustra la cultura consumista y los medios de comunicación de masas en la sociedad estadounidense. Además, el estilo característico de Warhol es visible en su obra. A través de la repetición del objeto representado, el artista refleja su crítica a la sociedad consumista y su interminable ciclo de producción y consumo.
Con una altura de 30 metros y en forma de araña, Maman es una obra escultórica icónica de Louise Bourgeois. Existen varias versiones de la pieza, creadas con diversos materiales. Realizada para una exposición en la Tate Modern, rinde homenaje a la madre de Bourgeois, que murió repentinamente cuando la artista tenía sólo 21 años.
Creada en el momento álgido de la carrera de Jackson Pollock, Ritmo de otoño es un ejemplo perfecto de la técnica de la pintura por goteo. Esta técnica, propia de Pollock, le hizo famoso por su originalidad. Para crear sus obras, Pollock se ponía de pie sobre su lienzo y goteaba pintura diluida sobre él, dejándola caer de forma natural. Goteaba, salpicaba, raspaba y vertía pintura sobre su lienzo. Para el artista, el movimiento y las propias pinturas impulsaban su arte. Este método único de pintar se considera la marca registrada del artista.
Pintores del siglo XXI
Historia del Arte 24 de octubre de 2016 Patina Lee A principios de la historia, concretamente durante el Renacimiento, existía una jerarquía de géneros pictóricos designados según su temática. Uno de ellos se denominaba pintura de género (por muy confuso que pueda parecer). La pintura de género, en contraposición al género de la pintura, se refiere a aquellas obras en las que la narración del pintor ilustra escenas mundanas de la vida cotidiana.
Sin embargo, no fue hasta finales del Renacimiento cuando este tipo de expresión se hizo cada vez más popular entre los artistas y sus mecenas. El cambio de la pintura de historia y el retrato, que eran los más favorables, no fue totalmente autoinducido o autóctono.
Más bien, estuvo en gran medida relacionado con las desavenencias que marcaron la cristiandad en el siglo XVI. Sin embargo, también es importante señalar que la diferencia entre las categorías nunca fue del todo clara, lo que significa que muchas pinturas de este periodo pertenecían a más de un género concreto.
Desde este punto de vista, podríamos preguntarnos por qué se clasificaban los cuadros, en primer lugar. Para entenderlo, tenemos que remontarnos al Renacimiento e intentar imaginar el estado de ánimo de la época. La jerarquía académica de los géneros se adoptó como un sistema que representaba los valores apreciados por los académicos de esta época. De acuerdo con esta jerarquía, las obras de arte individuales se evaluaban y clasificaban en varias categorías: pintura de historia, retrato, pintura de género, paisaje y naturaleza muerta. Dado que el Renacimiento se dedicaba a recuperar y seguir la ideología de la antigüedad y su código moral, creían que la forma más elevada de expresión artística era la representación figurativa dedicada a la forma humana. En ese sentido, la representación pictórica centrada en el cuerpo humano era más importante, o como dirían algunos, más noble que la que representaba naturalezas muertas o paisajes. Además, la jerarquía se organizaba en parte según otro principio, que es el valor de exhibición de cada categoría. Se establecía una diferencia entre las exposiciones públicas y las domésticas[1].
Los artistas vivos más exitosos
Cuando llegó el siglo XX, los artistas tenían todas las razones para creer que estaban entrando en una era moderna totalmente nueva y única. Filósofos como Henri Bergson estaban ampliando y colapsando nuestro concepto del tiempo, y las teorías de Sigmund Freud estaban abriendo nuevos caminos a segmentos inexplorados de la mente humana. La revolución industrial del siglo XIX trajo consigo medios de transporte modernos como el automóvil, el avión y el ascensor eléctrico, que fueron de la mano de la construcción de acero y vidrio para dar a luz al rascacielos, el emblema de la ciudad moderna. La vida nunca había sido tan rápida.
Este momento embriagador, evidenciado tanto en la cultura intelectual como en la popular, llevó realmente a los artistas a creer que formaban parte de un proyecto para inventar un nuevo lenguaje visual para el mundo moderno y, al mismo tiempo, cuestionar las ideas preexistentes sobre lo que el arte podía y debía ser. A menudo, esta postura se radicalizó aún más por los acontecimientos históricos y la invasión de la afiliación política. En Rusia, la Revolución Soviética de 1917 cambió el tenor y la motivación de una vanguardia ya naciente. En México, la Revolución de 1910-20 fue el catalizador de un movimiento totalmente nuevo. En Alemania, la Revolución de Weimar de 1918 abrió un espacio ideológico para la formación de la Bauhaus. La Gran Depresión en Estados Unidos disminuyó la capacidad adquisitiva de ciertos mecenas y creó nuevas condiciones para el arte en la década de 1930. Y, por supuesto, la Primera Guerra Mundial (1914-8) y la Segunda Guerra Mundial (1939-45) tuvieron repercusiones asombrosas para el arte y la vida en todo el mundo. Dado que nuestra conferencia sobre el Arte desde 1950 (Parte I) genera en gran medida en la esfera posterior a la Segunda Guerra Mundial, cronológicamente, esta conferencia termina más cerca de 1945.
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