Principales autores del cubismo

Principales autores del cubismo

Artistas del cubismo

Top Lists 14 de noviembre de 2016 Andrey V. Anunciado como el movimiento de vanguardia más innovador e instrumental, el cubismo se enfrentó agresivamente a las concepciones centrales occidentales de la representación pictórica. La pintura cubista introdujo el capítulo más revolucionario de la historia del arte, instigando un auténtico despertar cultural. Los representantes de este movimiento, en concreto Picasso y Georges Braque, pretendían revitalizar los cansados estándares del arte que creían agotados. A través de su vocabulario de cubos, conos, esferas y cilindros, las pinturas cubistas abandonaron la perspectiva que se había utilizado para representar el espacio pictórico desde el Renacimiento.

El dúo de artistas Picasso y Braque estableció un lenguaje visual de planos geométricos y espacio comprimido que rechazaba las convenciones del ilusionismo y la representación. Insistir en que un tema debe mostrarse desde varios ángulos a la vez utilizando componentes geométricos fue el mayor cambio que el mundo del arte había visto hasta entonces. Las obras iniciales de Braque y Picasso conforman lo que los historiadores del arte suelen denominar la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. En el centro de esta primera fase del movimiento se encontraba la reducción y fractura de los objetos, a la que seguía un reajuste de esos elementos recién formados dentro de un espacio poco profundo. La segunda fase principal de la pintura cubista surgió en 1912, cuando Picasso pegó un trozo de hule a un pequeño lienzo y lo bautizó como Bodegón con silla. Además de iniciar la etapa del cubismo sintético, esta obra fue también el primer collage del movimiento. El estilo sintético mantuvo los diversos ángulos, las formas abiertas y la fluidez del espacio entre y a través de los temas, pero también exploró el uso de materiales no artísticos como signos abstractos. Como demuestran algunos de nuestros ejemplos más abajo, la segunda fase de la pintura cubista era mucho más consciente de los acontecimientos actuales, en particular de los horrores de la Primera Guerra Mundial.

Qué es el cubismo

Virginia Woolf y el cubismo pueden parecer a primera vista una conjunción bastante extraña, pero en realidad su experimentación literaria tuvo lugar exactamente al mismo tiempo que el movimiento pionero en el arte visual moderno, y tenía objetivos muy similares. La gran obra maestra de Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, fue pintada en 1907, y el desarrollo de sus obras cubistas, junto con las de Georges Braque, fueron creadas a partir de 1910 y hasta la década de 1920. Es el mismo periodo en el que Woolf se consolidó como una de las figuras más importantes del modernismo literario.

Picasso decía “pinto las formas como las pienso, no como las veo”, lo que se tradujo en objetos y personajes retratados de forma fragmentada, desde varias perspectivas diferentes, en una serie de planos superpuestos, todo lo cual invita al espectador a recomponer mentalmente para formar una imagen tridimensional, plasmada en una superficie bidimensional (aunque también hubo algunas esculturas cubistas).

Virginia Woolf componía de forma similar, analizando su tema y reconstruyéndolo a partir de los fragmentos por los que era percibido, a menudo superpuestos, y en particular a partir de una mezcla de periodos de tiempo que combinan el presente ficticio con el pasado – a menudo dentro de la misma frase de su narrativa.

Arte cubista

El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia de principios del siglo XX que revolucionó la pintura y la escultura europeas e inspiró movimientos afines en la música, la literatura y la arquitectura. En las obras de arte cubistas, los objetos se analizan, se descomponen y se vuelven a ensamblar de forma abstracta; en lugar de representar los objetos desde un único punto de vista, el artista representa el tema desde una multitud de puntos de vista para representar el tema en un contexto mayor.[1] El cubismo ha sido considerado el movimiento artístico más influyente del siglo XX.[2][3] El término se utiliza ampliamente en asociación con una amplia variedad de arte producido en París (Montmartre y Montparnasse) o cerca de París (Puteaux) durante la década de 1910 y a lo largo de la década de 1920.

El movimiento fue impulsado por Pablo Picasso y Georges Braque, y a él se sumaron Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Juan Gris y Fernand Léger[4] Una de las principales influencias que condujo al cubismo fue la representación de la forma tridimensional en las últimas obras de Paul Cézanne. [5] En el Salón de Otoño de 1904 se celebró una retrospectiva de los cuadros de Cézanne, y en los Salones de Otoño de 1905 y 1906 se expusieron obras actuales, a las que siguieron dos retrospectivas conmemorativas tras su muerte en 1907[6].

Definición del cubismo en la literatura

Historia del Arte 1 de diciembre de 2016 Silka P El término cubismo analítico define la fase inicial del cubismo y describe las innovaciones y la experimentación de los dos artistas, Pablo Picasso y Georges Braque. Considerados como los padres del movimiento cubista, los dos pintores revolucionaron el rostro del arte. Las imágenes del cubismo analítico, que duraron desde 1909 hasta 1912, se caracterizan por su apariencia fragmentaria, su construcción lineal, la reducción del color a una paleta casi monocromática, la comprensión de los objetos como formas geométricas básicas y el uso de múltiples puntos de vista. A diferencia de otras imágenes vanguardistas producidas por los futuristas italianos, Piet Mondrian o el pionero del arte abstracto Wassily Kandinsky, las imágenes del cubismo analítico se dejaban abiertas a la interpretación y no iban acompañadas de un manifiesto del artista. Durante años, los historiadores y críticos de arte han analizado e intentado llegar a un acuerdo con el cubismo analítico, y dar sentido a sus formas fragmentadas y superficies poco profundas y muy trabajadas.

Como forma particularmente rígida de arte de vanguardia, el cubismo analítico fue la etapa más intelectual e intransigente del movimiento cubista. Denominado así, reflejaba el cambio de las anteriores imágenes más brillantes por un enfoque más analítico del tema. La disección estructurada del tema, punto por punto, dio lugar a la imagen fragmentaria y a la superposición de planos. Durante 1910 – 1912, Picasso y Braque abstrajeron sus obras hasta reducirlas a un mero juego de planos y facetas. El resultado producido se describe mejor como un collage de varios puntos de vista que se pegan para formar una imagen total. Al reducir el color a los tonos casi monocromáticos del gris, el marrón y el negro, la atención se centraba en la estructura de la forma y la densidad de la imagen en el centro del lienzo[2] Los motivos favoritos solían ser bodegones con un instrumento musical, botellas, jarras, vasos, periódicos y el rostro y las figuras humanas. Las imágenes de paisajes eran poco frecuentes.